Corso di formazione per il conseguimento del Diploma di Insegnante di Tango certificato dal C.O.N.I.

Per informazioni ed iscrizioni, contattare [email protected], 3396173388 (anche via Whatsapp) e visitare il sito www.ilmosaicodanza.it

Insegnare a ballare è un vero e proprio lavoro, che comporta impegno e un certo grado di responsabilità. Spesso però l’insegnamento della danza è preso alla leggera e non si considera che si possono fare errori che portano l’allievo, oltre che a ballare male, a lavorare male sul suo corpo e di conseguenza a farsi male.

La danza deve essere legata alla piacevolezza dell’esperienza, alla creatività, alla condivisione, e le lezioni devono confermare questo piacere, altrimenti l’allievo non continuerà a studiare e non arriverà ad approfondire quanto appreso.
Il Tango ha una bellissima valenza espressiva, e lavora sulla comunicazione in modo profondo e interessante, e questo deve essere comunicato all’allievo in maniera chiara. Saper ballare non implica evidentemente saper insegnare.

Lavorare sul l’Hip Hop implica molta attenzione alla comunicazione, ai ruoli, e richiede da parte dell’insegnante una competenza che spesso ha a che fare con la consulenza psicologica!

La legge italiana prevede che per insegnare danza in una associazione sportiva si debba fare un percorso di almeno 32 ore, dopo le quali verrà attribuito un attestato di qualifica di insegnante riconosciuto dal Coni. Senza questo attestato, non si può insegnare in una associazione e godere dei benefici fiscali riservati alla vita associativa in Italia.

Il Mosaico Danza asd di Milano propone un corso più completo, dedicato a chi vuole insegnare Tango. Il prerequisito fondamentale è che il candidato insegnante abbia acquisito durante gli anni del suo studio e dell sua preparazione le sufficienti competenze tecniche della forma di danza e della sua cultura di riferimento, e il corso proposto dal Mosaico Danza si occuperà di sistematizzare il tutto e di

Saranno 4 week end da 3 giorni ciascuno, venerdì sera, sabato mattina e pomeriggio e domenica mattina e pomeriggio. Durante i primi tre ci si dedica allo studio di pedagogia, anatomia, neurologia, psicologia, gestione del linguaggio, dei gruppi, alla lezione di diritto sportivo ed alla sistematizzazione delle competenze che la formazione dell’allievo insegnante ha accumulato durante gli anni di studio e di esperienza. Il quarto week end è dedicato interamente agli esami, pratici e teorici, che prevedono la presentazione e discussione di una tesi, la produzione di una lezione dimostrativa, la verifica delle competenze in materia di diritto sportivo.

Il corso nel suo complesso ha una durata di 76 ore e viene riconosciuto dal Coni attraverso l’affiliazione all’ente di promozione sportiva Libertas.

Il corso si svolge a Milano, in Via Privata Pomezia 12 zona Loreto, ed è a numero chiuso.

Agli allievi che supereranno gli esami finali verrà rilasciato il Diploma di Tecnico Primo di I Livello di Danza valido ai fini delle agevolazioni fiscali per l’Attività Sportiva Dilettantistica (L. 342/2000), ed il tesserino insegnante.

Per partecipare al corso è necessario avere una formazione verificabile di tecnica e di teoria della forma di danza che si intende insegnare, sostenere un colloquio preventivo con la direttrice del corso, Sabina Todaro, e durante le lezioni sarà richiesto di presentare elaborati teorici che permettano la riflessione sulle proprie dinamiche di insegnamento e sulle motivazioni, oltre alla formulazione di un progetto didattico.

Il corso:

Si articola in lezioni teoriche e lezioni pratiche in sala, e prevede lo studio di una serie di dispense e materiali didattici originali, formulati apposta per gli allievi.

Materie trattate:

• Anatomia, Neurologia, Psicologia, Pedagogia, Gestione dei gruppi, Comunicazione e relazione, Specifiche tecniche, Elementi di musicalità e cultura della danza in oggetto, Normative e diritto sportivo.
• Pedagogia dell’allenamento nella danza sportiva;
• Metodologia dell’insegnamento;
• Analisi della figura professionale formata;
• Normative Fiscali relative allo sport ed all’associazionismo sportivo.

PRATICA:

• Analisi musicale e relazione movimento/musica nella lezione e nella danza;
• Storia e cultura;
• Struttura di una lezione e disegno di un lavoro pedagogico suddiviso per livelli;
• Anatomia e neurologia applicate al movimento;
• Elementi di massaggio per apprendere come correggere fisicamente l’allievo.

Oltre alle figure di insegnanti specialisti delle varie tecniche di danza, il corso prevede la collaborazione di medico, counselor, alimentarista, naturopata, psicologo, coach, osteopata, esperto di normative dello sport, e di esperti di tecniche specifiche di vari stili di danza.

Sede del corso:

Via Privata Pomezia 12, Milano 
Ci troviamo a 500m dalla fermata della metropolitana Loreto/Pasteur (MM1/MM2)

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www.ilmosaicodanza.com

Sede: Via Privata Pomezia 12 , Milano (MM1-MM2 Loreto)
0258317962
3396173388

Sede: Via Giancarlo Passeroni 6 , Milano (MM3 Porta Romana)
0249463471
3396173388

L’evoluzione in seguito allo studio della danza e alla mescolanza degli stili

I più ortodossi ritengono che per ballarlo si debba viverlo di persona nella strada, che non abbia senso fare spettacoli in teatro, che deformano la sua natura originaria, e che se ne debba sposare la cultura come filosofia di vita. Guardano con orrore a chi conta i tempi della musica per memorizzare una coreografia, perché ritengono che tutto debba nascere dall’emozioni momentanea della libertà improvvisativa. D’altra parte chi ha un backgruond di studi nella danza, come la stessa Toni Basil, che ha avuto un ruolo assolutamente determinante nella diffusione di questa forma di danza, è abituato a questa metodica di apprendimento e tutto sommato ciò che conta è arrivare al risultato. Il mondo è grande e c’è spazio per tutti!

In realtà moltissimi danzatori di base jazz e moderna hanno incontrato con successo l’hip hop e lo hanno amato proprio perché si poteva adattare a interpretare musica R&B e video. Per contro, altri ballerini si muovono con dinamiche riconoscibili come danza moderna ma, siccome utilizzano musica Rap, dicono che stanno ballando Hip hop.

Soprattutto in Europa e in Giappone si è apprezzata prima l’estetica della danza e le sue forme e dinamiche innovative, e si è cominciato a studiare coreografie complesse e tecniche, al fine di ottenere la capacità di isolare efficacemente i movimenti delle singole parti del corpo ed essere più pronti a rispondere alle variazioni della musica.

Per ballare occorre conoscere la cultura di riferimento e coglierne il senso.

Anche l’apertura di corsi e la creazione di una pedagogia ha modificato lo sviluppo e la pratica della danza Hip hop. Il pioniere in questo campo è stato Buddha Stretch nel 1989 al Broadway Dance Center di New York.

Seguendo la crescente diffusione dello stile, e la sua popolarizzazione tramite la tv, logicamente alcuni cantanti cominciarono ad utilizzarlo nei loro video musicali, come Janet Jackson e lo stesso Michael Jackson, il quale addirittura, nel 1992, per produrre il video di ” Remember the time”, si è affidato ad una ballerina di soli 21 anni, Fatima Robinson, che non aveva nessuna preparazione formale, e che da allora in poi divenne la coreografa più richiesta da tutti i musicisti, registi e trasmissioni televisive americani.

Questo ha significato fare riferimento con grande libertà creativa a tutti i vari stili senza distinguerli.

Eseguire un percorso ad ostacoli come fonte di ispirazione al movimento efficiente e spettacolare

Si tratta di modi atletici ed esteticamente piacevoli di muoversi, che utilizzano le strutture urbane o della natura per fare salti, arrampicarsi, volteggiare.

Il termine Parkour viene dal francese “parcours”, dato che questa pratica è nata in Francia alla fine degli anni ’90 dal percorso dei militari, ad opera di David Belle e Hubert Koundé. Quest’ultimo, per dare un’idea di maggiore forza ed energia, ha sostituito la lettera c con la k e ha tolto la lettera s finale, che sarebbe stata comunque muta. L’aspirazione dei praticanti è quella di trovare la massima efficienza corporea durante gli spostamenti, per trovare il senso della massima libertà.

Il Free running è una sua evoluzione. Ideato da Sébastien Foucan, ricerca lo spostamento in una forma spettacolare ed artistica, accentuando le acrobazie e la bellezza estetica dei movimenti più che la semplice efficienza fisica dello stile da cui deriva.

Il corpo come strumento musicale

Stepping o step-dance è una forma di danza percussiva molto coinvolgente in cui tutto il corpo viene utilizzato come strumento per produrre ritmi complessi e suoni attraverso una miscela di passi, suoni vari, e il battito delle mani ed unita ad un uso molto teatrale, attoriale del corpo. Nata fra gli afroamericani come gioco e competizione, e nelle esibizioni militari come training di coordinazione, ben presto è giunta sul palcoscenico e ha affascinato il mondo grazie all’opera della compagnia Stomp, nata nel 1992 in seguito al primo contest dedicato a questa forma d’arte.

Sebbene possa essere eseguito anche da una sola persona per volta, le combinazioni possibili con  gruppi di tre o più danzatori sono molto interessanti e le possibilità di combinazioni ritmiche si moltiplicano esponenzialmente, con una vitalità contagiosa. , e spesso il risultato assomiglia a quello delle formazioni militari.
Tecnicamente, attinge a ogni genere di lavoro corporeo, come ginnastica, breakdance, tip tap, marcia o danza africana, acrobazia, ed utilizza spesso oggetti di scena che favoriscano la produzione di ritmo, come canne e legnetti, ma anche scope, secchi, tubi idraulici, persino lavandini… qualsiasi cosa che offra la possibilità di fare musica.

L’importanza centrale dei testi dei brani

Lyrical è una nuovo stile hip-hop sempre più diffuso, ballato su musica rap o R & B.

E’ una versione più fluida chiamata anche “hip hop con emozione”, che si concentra molto di più sulla coreografia e soprattutto sull’espressività che non su freestyle e battle.
Il nome viene dal fatto di dare importanza alle “lyrics”, il testo delle canzoni usate, a cui si ispirarano totalmente i movimenti e il punto centrale della danza è mostrane il contenuto emotivo.

L’obiettivo di un ballerino che fa questo genere è quello di utilizzare il gesto, la mimica del viso,  e le linee nello spazio al fine di sottolineare il valore dei testi e la qualità del movimento.

Potere espressivo e creativo delle braccia

I veloci e dinamici movimenti delle braccia ricordano gli srotolamenti dei polsi del locking ma sono molto più grandi ed importanti e coinvolgono sezioni del corpo molto estese. Risente moltissimo delle dinamiche della danza Jazz e Funky.

La sua nascita è da ricercarsi negli usi dei locali notturni gay americani, in cui era frequente vedere uomini esibirsi in modo molto creativo ballando vestiti da donna su canzoni cantate da donne, ed era comunque anche possibile vedere movimenti simili ballati da neri e latinoamericani. In breve si evolse uno stile vero e proprio basato su queste performances, appunto il Waacking, che prese piede al di fuori del contesto di origine, anche grazie all’uso di musiche disco, coinvolgenti e ritmate, tanto che parecchi danzatori di Locking cominciarono ad incorporarlo nelle loro lezioni e nelle esibizioni, chiamandolo in realtà Punking, per distinguerlo da quello nato fra i gay.

In questo stile ci sono anche movimenti spigolosi che creano un genere, chiamato Voguing, frequentemente mescolato con questo, ma che è in realtà originariamente dedicato all’interpretazione di musica House.

Forse il primo ballerino a danzare in questo modo è stato Lamont Peterson, negli anni ’70 a Los Angeles, e il suo lavoro venne portato avanti ed evoluto da Mickey Lord, Tyrone Proctor e Blinky adattando al meglio i movimenti delle braccia sulla musica disco. Durante gli anni ’70 si è sviluppato ancora di più questo modo di muovere le braccia, fluido e ritmico insieme, e molto creativo. Con la passione per la disco music dell’epoca, la comunità gay aveva preso ad esempio le pose e gli atteggiamenti delle dive del cinema degli anni ’30 e ’40, tanto che qualcuno aveva anche chiamato questo stile “Garbo”.

Moltissimi sono i danzatori che lo hano evoluto e che lo tengono sempre in voga, ancora oggi: Tyrone “The Bone” Proctor, Adolfo “Shabbadoo” Quniñones, Jody Watley, Ana “Lollipop” Sanchez…

La danza che nasce dalla musica House

House è un gruppo di stili di danza, ispirati dalla musica House (da qui il suo nome). Ha origine nei clubs di Chicago tra gli anni ’70 e ’80.

Fra i principali stili include: Footwork, Jacking (vedi oltre in questa pagina), Lofting, Skating, Stomping, e Shuffling…

Come tutto ciò che riguarda il mondo dell’ hip hop, anche la House Dance è nata in America dall’improvvisazione di ballerini di origine africana e latina.

Consiste in rapidi e continui spostamenti dei piedi e complesse combinazioni di movimenti fluidi del torso ed include anche diversi passaggi a terra. Incorpora movimenti che derivano da altre discipline come la Capoeira, il  tip tap, la danza Jazz, il mimo, e la Salsa: l’elenco potrebbe continuare, all’insegna della spontaneità e della libertà creativa senza limiti.

Uno degli elementi più caratteristici dell’ House Dancing è la tecnica chiamata Jacking, che si sviluppa muovendo il torso avanti e indietro in modo da creare un’onda, proprio come se passasse attraverso il corpo esattamente come farebbe in un fluido. Questo movimento si esegue alla stessa velocità del beat della canzone, rendendo quindi la danza particolarmente dinamica.

La fluidità del movimento

Liquid dancing è uno stile di danza che fa ricorso a movimenti che ricordano quelli dei mimi.

Il termine descrive con la parola “liquido” il movimento fluido che si produce con tutto il corpo come se non ci fossero ossa. Onde motorie si propagano in ogni direzione, senza ostacoli in maniera libera e totale, offrendo al danzatore possibilità espressive imprevedibili e sempre nuove: a volte il danzatore si affloscia improvvisamente per poi recuperare la verticalità in un lampo, senza stop e senza perdere la continuità.

Il danzatore che usa questa tecnica pare muoversi senza nessuno sforzo, e anzi, sembra assolutamente a proprio agio, come se tutto fosse frutto di una totale spontaneità. Al contrario, per ottenere questa fluidità “liquida” occorre moltissimo training ed una capacità di controllo su ogni parte del corpo molto profonda. L’effetto è davvero sorprendente, e ben si sposa con le dinamiche del popping e del locking, offrendo un contrasto molto armonico.

Il combattimento danzato

Una battle (in ‘inglese “battaglia”) consiste in una sfida basata sul freestyle, nella quale i danzatori sfidano altri ballerini creando una sorta di palcoscenico. La lotta avviene assolutamente senza contatto fra gli avversari: è basata sulla esibizione delle proprie capacità artistiche e creative.
Nasce nell’ambito della streetdance, con l’intento di lottare simbolicamente, in una competizione sana e soprattutto non violenta, che sostituisse le lotte fra gang di strada che stavano diventando sempre più sanguinose.

I danzatori ed il pubblico che prendono parte alla battle si dispongono creando un cerchio che inizialmente veniva proprio disegnato sull’asfalto, provando a mostrare a turno le loro abilità migliori, con combinazioni di stili e movimenti sempre più difficili, e prendendo a spunto creativo la performance dell’avversario, magari prendendolo in giro o cercando di ripeterne i gesti eseguendoli meglio, o aggiungendovi ulteriori difficoltà per cercare di guadagnarsene il rispetto e la stima.

Questa consuetudine, nata da una esigenza di sana sopravvivenza nei quartieri periferici delle metropoli americane, si è diffusa anche assolutamente al di fuori del suo contesto d’origine, divenendo una caratteristica artistica della danza hip hop, che possiamo facilmente vedere anche trasposta a livello teatrale.
Anche nelle lezioni di hip hop si tende ad inserire l’elemento battle per stimolare la creatività personale del danzatore e per spingerlo a trovare il suo stile e i suoi gusti caratteristici.