L’evoluzione in seguito allo studio della danza e alla mescolanza degli stili

I più ortodossi ritengono che per ballarlo si debba viverlo di persona nella strada, che non abbia senso fare spettacoli in teatro, che deformano la sua natura originaria, e che se ne debba sposare la cultura come filosofia di vita. Guardano con orrore a chi conta i tempi della musica per memorizzare una coreografia, perché ritengono che tutto debba nascere dall’emozioni momentanea della libertà improvvisativa. D’altra parte chi ha un backgruond di studi nella danza, come la stessa Toni Basil, che ha avuto un ruolo assolutamente determinante nella diffusione di questa forma di danza, è abituato a questa metodica di apprendimento e tutto sommato ciò che conta è arrivare al risultato. Il mondo è grande e c’è spazio per tutti!

In realtà moltissimi danzatori di base jazz e moderna hanno incontrato con successo l’hip hop e lo hanno amato proprio perché si poteva adattare a interpretare musica R&B e video. Per contro, altri ballerini si muovono con dinamiche riconoscibili come danza moderna ma, siccome utilizzano musica Rap, dicono che stanno ballando Hip hop.

Soprattutto in Europa e in Giappone si è apprezzata prima l’estetica della danza e le sue forme e dinamiche innovative, e si è cominciato a studiare coreografie complesse e tecniche, al fine di ottenere la capacità di isolare efficacemente i movimenti delle singole parti del corpo ed essere più pronti a rispondere alle variazioni della musica.

Per ballare occorre conoscere la cultura di riferimento e coglierne il senso.

Anche l’apertura di corsi e la creazione di una pedagogia ha modificato lo sviluppo e la pratica della danza Hip hop. Il pioniere in questo campo è stato Buddha Stretch nel 1989 al Broadway Dance Center di New York.

Seguendo la crescente diffusione dello stile, e la sua popolarizzazione tramite la tv, logicamente alcuni cantanti cominciarono ad utilizzarlo nei loro video musicali, come Janet Jackson e lo stesso Michael Jackson, il quale addirittura, nel 1992, per produrre il video di ” Remember the time”, si è affidato ad una ballerina di soli 21 anni, Fatima Robinson, che non aveva nessuna preparazione formale, e che da allora in poi divenne la coreografa più richiesta da tutti i musicisti, registi e trasmissioni televisive americani.

Questo ha significato fare riferimento con grande libertà creativa a tutti i vari stili senza distinguerli.

La danza che nasce dalla musica House

House è un gruppo di stili di danza, ispirati dalla musica House (da qui il suo nome). Ha origine nei clubs di Chicago tra gli anni ’70 e ’80.

Fra i principali stili include: Footwork, Jacking (vedi oltre in questa pagina), Lofting, Skating, Stomping, e Shuffling…

Come tutto ciò che riguarda il mondo dell’ hip hop, anche la House Dance è nata in America dall’improvvisazione di ballerini di origine africana e latina.

Consiste in rapidi e continui spostamenti dei piedi e complesse combinazioni di movimenti fluidi del torso ed include anche diversi passaggi a terra. Incorpora movimenti che derivano da altre discipline come la Capoeira, il  tip tap, la danza Jazz, il mimo, e la Salsa: l’elenco potrebbe continuare, all’insegna della spontaneità e della libertà creativa senza limiti.

Uno degli elementi più caratteristici dell’ House Dancing è la tecnica chiamata Jacking, che si sviluppa muovendo il torso avanti e indietro in modo da creare un’onda, proprio come se passasse attraverso il corpo esattamente come farebbe in un fluido. Questo movimento si esegue alla stessa velocità del beat della canzone, rendendo quindi la danza particolarmente dinamica.

Il combattimento danzato

Una battle (in ‘inglese “battaglia”) consiste in una sfida basata sul freestyle, nella quale i danzatori sfidano altri ballerini creando una sorta di palcoscenico. La lotta avviene assolutamente senza contatto fra gli avversari: è basata sulla esibizione delle proprie capacità artistiche e creative.
Nasce nell’ambito della streetdance, con l’intento di lottare simbolicamente, in una competizione sana e soprattutto non violenta, che sostituisse le lotte fra gang di strada che stavano diventando sempre più sanguinose.

I danzatori ed il pubblico che prendono parte alla battle si dispongono creando un cerchio che inizialmente veniva proprio disegnato sull’asfalto, provando a mostrare a turno le loro abilità migliori, con combinazioni di stili e movimenti sempre più difficili, e prendendo a spunto creativo la performance dell’avversario, magari prendendolo in giro o cercando di ripeterne i gesti eseguendoli meglio, o aggiungendovi ulteriori difficoltà per cercare di guadagnarsene il rispetto e la stima.

Questa consuetudine, nata da una esigenza di sana sopravvivenza nei quartieri periferici delle metropoli americane, si è diffusa anche assolutamente al di fuori del suo contesto d’origine, divenendo una caratteristica artistica della danza hip hop, che possiamo facilmente vedere anche trasposta a livello teatrale.
Anche nelle lezioni di hip hop si tende ad inserire l’elemento battle per stimolare la creatività personale del danzatore e per spingerlo a trovare il suo stile e i suoi gusti caratteristici.

La danza che nasce nelle strade delle metropoli americane

La Streetdance è l’essenza della danza hip hop. Fin dall’inizio, la cultura hip hop si è sviluppata nelle strade delle grandi città degli Stati Uniti, soprattutto New York e Los Angeles, ed in particolare nei multietnici quartieri periferici, in cui le condizioni di vita non erano e non sono facili.

La condivisione degli spazi con persone provenienti da altri paesi e da culture molto eterogenee ha favorito la nascita di gang e gruppi, con scontri continui, a volte anche parecchio sanguinosi, volti al tentativo di stabilire la supremazia di un gruppo su un territorio. A ciò si aggiungono le condizioni sociali difficili, e l’alto tasso di disoccupazione che portano con sé facilmente microcriminalità, mercato di sostanze stupefacenti, prostituzione… quando le persone vivono in uno spazio ristretto e sentono di non avere nulla da perdere, le condizioni di vita si fanno molto dure.

La streetdance ha portato a questa situazione un sano elemento di svolta, sostituendo l’abitudine di danzare a quella di combattere. I giovani delle varie gang cominciarono a disegnare un cerchio sulla strada, all’interno del quale si svolgevano i combattimenti, vere e proprie sfide a suon di musica e a passo di danza: il vincitore è chi si esprime meglio, con maggiore creatività, con fantasia e capacità tecniche, imponendo la propria personalità artistica come punto di forza.

Questo fenomeno ha dato il via ad una grande evoluzione di stili di danza, nati proprio sulle strade, da quella stessa fusione multiculturale che aveva generato le rivalità, all’insegna di una libertà espressiva praticamente illimitata.

Gli stili che si sono evoluti grazie alla streetdance sono innumerevoli, e prendono spunto da qualsiasi evento della vita quotidiana o da forme di danza e movimento, moltiplicando esponenzialmente le possibilità creative della danza. Forse più che stili li si potrebbe definire tecniche, poiché quasi nessun danzatore utilizza un linguaggio stilistico univoco, e tutti fanno riferimento a svariate tecniche per arricchire il proprio vocabolario artistico.

Da molti anni ormai della streetdance esiste più che altro la versione artistica teatrale, e il suo apprendimento si svolge più che altro all’interno delle scuole di danza, nelle quali il confronto fra i danzatori non è più una battaglia per la supremazia del territorio, ma quella per vincere un contest o per passare il casting per uno spettacolo.

Il combattimento con i gesti delle mani

Originariamente l’Uprock si chiamava Rocking o anche semplicemente Rock. Si chiama così poiché prende ispirazione dal gioco “Rock-paper-scissors” (che noi chiamiamo Morra Cinese, la sfida in cui due avversari si fronteggiano con gesti delle mani che simulano un sasso, la carta e la forbice).

Nasce alla fine degli anni ’60 a New York, forse nel Bronx o forse a Brooklyn, a partire dalla cultura delle gang, come forma di battle. Già negli anni ’70 non veniva più considerata una danza tipica delle gang, acquisendo un maggior valore artistico, e si diffuse tanto da diventare di uso comune in tutte le feste di caseggiato, delle scuole, alle riunioni dei ragazzi, ed era un punto fermo dei martedì e giovedì sera al St. Mary’s Recreation Center nel South Bronx, fino a quando, nel 1974, Rubberband, un famosissimo danzatoreallora soltanto ventunenne, fu pugnalato a morte durante un litigio da un ragazzo di soli 14 anni. Da allora le battles sl St. Mary’s vennero bandite.

Il primo danzatore a diventarne esperto era Apache, incredibilmente abile nell’uso dei burns.

Si tratta di uno stile di streetdance molto espressivo e rivolto alla competizione, che si danza a ritmo di musica soul, rock e funky. Quando nacque, veniva danzata su brani specifici, come “It’s Just Begun” del jazzista Jimmy Castor, e coinvolgeva una coppia di uomini che si fronteggiavano e cercavano di sminuire l’avversario con movimenti delle mani chiamati Burns (bruciature), che richiamassero gesti quotidiani o simbolici di disprezzo o di presa in giro (ad esempio simulare di dare uno schiaffo o un pugno), intervallati a passi strisciati, giri e improvvisi Drops (Sgocciolamenti), che consistono in movimenti di accovacciamento con rimbalzo in piedi, a piedi paralleli o incrociati (in questo caso si chiamano Jerks, “strattoni”).

Lo stile evoluto grazie ai video clips

Ecco l’espressione più commerciale della danza Hip hop, arrivata dagli Stati Uniti e legata ai video musicali di famosi cantanti pop come Justine Timberlake, Missy Elliott, Britney Spears, Janet Jackson e molti altri.

Lo stile video-dance è caratterizzato da movimenti molto schematici e d’effetto, supportati da sistemi computerizzati che rendono le coreografie ancora più particolari ed affascinanti.

Dato che solitamente alla base di questo stile c’è la musica pop, il tutto è caratterizzato da movimenti più morbidi e fluidi rispetto a quelli di altri stili, e quindi più vicini alla danza moderna, dalla quale sono parecchio influenzati.

Un elemento importantissimo è l’utilizzo dell’espressività e di una grande carica di energia, che richiedono un training da danzatore alle spalle.

A volte si pensa che l’Hip Hop debba essere danzato solo dai neri delle periferie delle metropoli statunitensi, ma questa è stata soltanto la sua culla. Oggi è diffuso in tutto il mondo e sono moltissimi gli stili e le scuole. Ballare significa anche saper trasmettere emozioni che chi sta ballando deve provare in prima persona. Ogni danzatore ha il proprio stile personale e il compito dell’insegnante è quello di trasmettere le tecniche e l’energia positiva che si sprigiona da questa disciplina-cultura.

La New School

La cultura Hip hop muta di continuo, poiché questa è la sua stessa natura. Negli anni ’80 la musica della West Coast prende il sopravvento e la sua enorme fioritura genera un nuovo modo di considerare musica e danza. Dal 1986, ha continuato a seguire la strada dell’evoluzione e dell’adattamento ai tempi acquisendo ad oggi una fisionomia molto complessa.

Le movenze del New Style prendono spunto da moltissime fonti diverse. Qualsiasi elemento della vita quotidiana può essere fonte di ispirazione. La sua caratteristica fisica è un grande gioco delle gambe, giungendo quasi ad assomigliare al molleggio dei pugili: l’accento del movimento è verso il basso (Down beat-battere), e il gesto è molto ritmico e legato alla musica, e si presta a libere interpretazioni.

La “New School” fa attenzione non più alla competizione fra i vari danzatori, o alla forma e alla difficoltà tecnica dei passi, ma soprattutto allo stile, al “flavour”, (il sapore, l’atteggiamento), che viene detto in gesro “flava”, che rappresenta la componente espressiva con la quale vengono eseguiti i movimenti.

L’attitudine caratteristica degli esponenti di questa modalità è che attraverso i movimenti si deve tributare il giusto rispetto all’espressione della musica.

I caratteristici movimenti idraulici e robotici

Il nome di questa tecnica deriva da un danzatore, Don Campbell, che divenne famoso tra i ballerini di strada di colore di Los Angeles per aver inventato un modo di muoversi chiamato in suo onore Campbellock. Questo accadeva alla fine degli anni ’60.

Subito dopo, nasce un gruppo di danzatori specializzati in questo stile, sotto la guida del suo creatore, “The Lockers”. La coreografa televisiva Toni Basil, all’epoca molto famosa, non appena vide il lavoro di Don Campbell e dei suoi danzatori si rese conto che avevano grande talento e grandi potenzialità. Apprese lei stessa la loro tecnica, ed entrò a far parte della compagnia, contribuendo ad inserire nella danza elementi teatrali e condusse il gruppo ad esibirsi in parecchi show televisivi. La crew avrà un enorme successo, grazie a questa pubblicità mediatica, oltre che alle capacità artistiche dei suoi membri.

Il nome, che significa “bloccaggio”, è basato sulla ricerca di movimenti robotici e “idraulici” cioè che diano l’impressione che il corpo del danzatore sia pieno di pistoni che ammortizzano ogni movenza. La tecnica richiede un controllo del corpo molto avanzato, e presenta spesso un grande livello di difficoltà (spesso richiede ai danzatori di indossare ad esempio ginocchiere di protezione).

Don miscelò questa ricerca di precisione con movimenti selvaggi, improvvisi, passando senza preavviso da una modalità all’altra. Questa mescolanza di dinamiche non omogenee crea un forte effetto sorpresa, completato anche da una mimica del viso marcata e dall’uso di abiti clowneschi: i lockers (così vengono chiamati i ballerini che praticano questo stile, su modello della prima crew) nei primi anni ‘70 indossavano pantaloni tipo bermuda, che scoprono il polpaccio, con bretelle, scarpe con una suola alta, calze a righe dai colori vivacissimi, sgargianti camicie lucide coloratissime, collane e cravatte vistose, cappelli esagerati e guanti bianchi.

Si dice che gli abiti da clown e la mimica esagerata servissero originariamente per prendere in giro l’avversario durante le competizioni, ma divennero ben presto elementi espressivi astratti.

I primi passi nello sviluppo dell’Hip hop

Il Boogaloo

Nella città di Fresno in California, una piccola città a metà strada fra Los Angeles e San Francisco, viveva un ragazzo, di nome Sam, che dopo aver visto in tv gli “original Lockers” volle creare un proprio stile di danza conosciuto come Boogaloo o Boog style. Il nome proviene da una vecchia canzone di James Brown “Do the Boogaloo”, da lì in poi il creatore dello stile fu ribattezzato “Boogaloo Sam”.

Il Boogaloo è uno stile fluido che utilizza ogni parte del corpo, e che si incentra su movimenti circolari: spesso utilizza la rotazione della testa, dei fianchi, delle ginocchia mentre tutto il resto del corpo rimane fermo. Utilizza molto le gambe in maniera dinamica, e porta a spostarsi parecchio nello spazio. Non deve essere confuso con il “Waving” che produce invece onde più direzionate.

Electric Boogaloo o Popping

Pistol Pete, il protagonista del film “Breaking”, che ha più volte collaborato con la conduttrice televisiva Toni Basil, i Lockers e “Soul Train” nel primo periodo, e i suoi fratelli crearono l’Electric Boogaloo mischiando il Boogaloo, il Locking, il Robot e i movimenti di tecnica mimica più controllati e regolari. Fonte di ispirazione furono i robot degli show televisivi dei primi anni 60, come “Lost in Space”. La passione per i robot animati e il mondo futuribile era molto forte fra i giovani più poveri nelle grandi città, perché rappresentava una via di fuga da un mondo dove tutto è perfetto, prevedibile e sotto controllo.
Il gruppo nacque a Fresno fra il 1972 e il 1973 ed era formato da ragazzi di colore (Boogaloo Sam, Poppin Pete, Skeeter Rabbit, SugaPop e Mr.Wiggles).

La complessità di questa danza è basata sulla continua contrazione muscolare e flessibilità articolare.
L’Electric Boogaloo crebbe a San Francisco anche prima di arrivare a Los Angeles, ma quando arrivò a Los Angeles, la capitale televisiva americana, fu introdotto attraverso il famosissimo programma televisivo di varietà “Soul Train” come la nuova forma di danza, chiamata in seguito Popping, dato che lo stesso suo creatore, Boogaloo Sam, pronunciava la parola “pop” (schiocco) ogni volta che piegava le ginocchia danzando con questo stile, e fin da subito appassionò moltissima gente, accanto all’ormai popolare Locking.

L’Electric Boogaloo era qualcosa più del mimo: nel muoversi si deve dare la sensazione di produrre una vera e propria scarica di corrente elettrica, facendo ricorso alla tecnica Robot per dare stile alla danza. Invece di muovere il corpo con e senza controllo idraulico, come nella tecnica semplice del Robot, si lascia passare l’energia attraverso il corpo producendo contrazioni improvvise di singole aree corporee, soprattutto nelle ginocchia e nelle gambe, con un effetto a scatto. L’Electric Boogaloo rappresenta la naturale evoluzione del Robot: i movimenti idraulici del robot venivano ballati sulla musica funky, che diventava sempre più ritmica, come ad esempio il famoso brano “Goodfoot” di James Brown (1969).

La medesima tecnica è stata anche chiamata Hitting da hit, colpo.

Qualcuno distingue il Popping dall’Electronic Booglaoo, che viene considerato come una sua evoluzione, ma distinguere precisamente i termini in questo caso non è facile.

La danza che nasce sulla musica funky

Solitamente il termine indica gli stili di origine californiana, quindi della West Coast, nati negli anni ’70, soprattutto Popping, Boogaloo e Locking, ballati sempre su musica funky, che vanno differenziati dagli stili della East Coast.
Questo stile oggi viene utilizzato per ballare su musica Hip Hop e Elettronica, ma mantiene un colore diverso proprio grazie alle sue diverse origini.

La musica

Non ha sicuramente ricevuto da parte della critica la stessa attenzione riservata al rock, al jazz e al blues.

E’ stato un genere molto produttivo per un arco di tempo che va dai primi lavori di James Brown, “il Padrino del Funky”, fino al fatidico anno 1983, ma in seguito non si è più sviluppata come si poteva invece immaginare.

Per comprendere l’esatto significato di questo genere musicale non si possono trascurare i suoi legami con le problematiche sociali dell’epoca. Fu la rivoluzione sociale in atto in America ad ispirare la rivoluzione ritmica di una musica che permetteva ad un nero di non essere più costretto a vergognarsi di ammettere che aveva le proprie radici in Africa.

Capita di sentire alla radio o in qualche club un brano rap bello, trascinante, e ci si rende conto che contiene uno hook, un riff, un giro strumentale, insomma, qualcosa di “già sentito”. Ebbene, la maggior parte delle volte quella musica proviene da un brano funky degli Anni Settanta/Ottanta!

Tutto è partito negli Anni Settanta con la musica di James Brown, dei Parliament/Funkadelic, di Sly & The Family Stone, Magnum, Tentation, Bar Kays, dei Kool & The Gang, degli Earth, Wind & Fire, Ohio Players, Mandril, Cameo A.W.B, Commodores, grandi band che iniziarono a creare il proprio memorabile sound e comunque, per lo meno fino ad ora, non è mai stato riconosciuto loro un posto nella storia come fenomeno musicale e sociale.