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L’evoluzione in seguito allo studio della danza e alla mescolanza degli stili

I più ortodossi ritengono che per ballarlo si debba viverlo di persona nella strada, che non abbia senso fare spettacoli in teatro, che deformano la sua natura originaria, e che se ne debba sposare la cultura come filosofia di vita. Guardano con orrore a chi conta i tempi della musica per memorizzare una coreografia, perché ritengono che tutto debba nascere dall’emozioni momentanea della libertà improvvisativa. D’altra parte chi ha un backgruond di studi nella danza, come la stessa Toni Basil, che ha avuto un ruolo assolutamente determinante nella diffusione di questa forma di danza, è abituato a questa metodica di apprendimento e tutto sommato ciò che conta è arrivare al risultato. Il mondo è grande e c’è spazio per tutti!

In realtà moltissimi danzatori di base jazz e moderna hanno incontrato con successo l’hip hop e lo hanno amato proprio perché si poteva adattare a interpretare musica R&B e video. Per contro, altri ballerini si muovono con dinamiche riconoscibili come danza moderna ma, siccome utilizzano musica Rap, dicono che stanno ballando Hip hop.

Soprattutto in Europa e in Giappone si è apprezzata prima l’estetica della danza e le sue forme e dinamiche innovative, e si è cominciato a studiare coreografie complesse e tecniche, al fine di ottenere la capacità di isolare efficacemente i movimenti delle singole parti del corpo ed essere più pronti a rispondere alle variazioni della musica.

Per ballare occorre conoscere la cultura di riferimento e coglierne il senso.

Anche l’apertura di corsi e la creazione di una pedagogia ha modificato lo sviluppo e la pratica della danza Hip hop. Il pioniere in questo campo è stato Buddha Stretch nel 1989 al Broadway Dance Center di New York.

Seguendo la crescente diffusione dello stile, e la sua popolarizzazione tramite la tv, logicamente alcuni cantanti cominciarono ad utilizzarlo nei loro video musicali, come Janet Jackson e lo stesso Michael Jackson, il quale addirittura, nel 1992, per produrre il video di ” Remember the time”, si è affidato ad una ballerina di soli 21 anni, Fatima Robinson, che non aveva nessuna preparazione formale, e che da allora in poi divenne la coreografa più richiesta da tutti i musicisti, registi e trasmissioni televisive americani.

Questo ha significato fare riferimento con grande libertà creativa a tutti i vari stili senza distinguerli.

L’importanza centrale dei testi dei brani

Lyrical è una nuovo stile hip-hop sempre più diffuso, ballato su musica rap o R & B.

E’ una versione più fluida chiamata anche “hip hop con emozione”, che si concentra molto di più sulla coreografia e soprattutto sull’espressività che non su freestyle e battle.
Il nome viene dal fatto di dare importanza alle “lyrics”, il testo delle canzoni usate, a cui si ispirarano totalmente i movimenti e il punto centrale della danza è mostrane il contenuto emotivo.

L’obiettivo di un ballerino che fa questo genere è quello di utilizzare il gesto, la mimica del viso,  e le linee nello spazio al fine di sottolineare il valore dei testi e la qualità del movimento.

Potere espressivo e creativo delle braccia

I veloci e dinamici movimenti delle braccia ricordano gli srotolamenti dei polsi del locking ma sono molto più grandi ed importanti e coinvolgono sezioni del corpo molto estese. Risente moltissimo delle dinamiche della danza Jazz e Funky.

La sua nascita è da ricercarsi negli usi dei locali notturni gay americani, in cui era frequente vedere uomini esibirsi in modo molto creativo ballando vestiti da donna su canzoni cantate da donne, ed era comunque anche possibile vedere movimenti simili ballati da neri e latinoamericani. In breve si evolse uno stile vero e proprio basato su queste performances, appunto il Waacking, che prese piede al di fuori del contesto di origine, anche grazie all’uso di musiche disco, coinvolgenti e ritmate, tanto che parecchi danzatori di Locking cominciarono ad incorporarlo nelle loro lezioni e nelle esibizioni, chiamandolo in realtà Punking, per distinguerlo da quello nato fra i gay.

In questo stile ci sono anche movimenti spigolosi che creano un genere, chiamato Voguing, frequentemente mescolato con questo, ma che è in realtà originariamente dedicato all’interpretazione di musica House.

Forse il primo ballerino a danzare in questo modo è stato Lamont Peterson, negli anni ’70 a Los Angeles, e il suo lavoro venne portato avanti ed evoluto da Mickey Lord, Tyrone Proctor e Blinky adattando al meglio i movimenti delle braccia sulla musica disco. Durante gli anni ’70 si è sviluppato ancora di più questo modo di muovere le braccia, fluido e ritmico insieme, e molto creativo. Con la passione per la disco music dell’epoca, la comunità gay aveva preso ad esempio le pose e gli atteggiamenti delle dive del cinema degli anni ’30 e ’40, tanto che qualcuno aveva anche chiamato questo stile “Garbo”.

Moltissimi sono i danzatori che lo hano evoluto e che lo tengono sempre in voga, ancora oggi: Tyrone “The Bone” Proctor, Adolfo “Shabbadoo” Quniñones, Jody Watley, Ana “Lollipop” Sanchez…

La danza che nasce dalla musica House

House è un gruppo di stili di danza, ispirati dalla musica House (da qui il suo nome). Ha origine nei clubs di Chicago tra gli anni ’70 e ’80.

Fra i principali stili include: Footwork, Jacking (vedi oltre in questa pagina), Lofting, Skating, Stomping, e Shuffling…

Come tutto ciò che riguarda il mondo dell’ hip hop, anche la House Dance è nata in America dall’improvvisazione di ballerini di origine africana e latina.

Consiste in rapidi e continui spostamenti dei piedi e complesse combinazioni di movimenti fluidi del torso ed include anche diversi passaggi a terra. Incorpora movimenti che derivano da altre discipline come la Capoeira, il  tip tap, la danza Jazz, il mimo, e la Salsa: l’elenco potrebbe continuare, all’insegna della spontaneità e della libertà creativa senza limiti.

Uno degli elementi più caratteristici dell’ House Dancing è la tecnica chiamata Jacking, che si sviluppa muovendo il torso avanti e indietro in modo da creare un’onda, proprio come se passasse attraverso il corpo esattamente come farebbe in un fluido. Questo movimento si esegue alla stessa velocità del beat della canzone, rendendo quindi la danza particolarmente dinamica.

La fluidità del movimento

Liquid dancing è uno stile di danza che fa ricorso a movimenti che ricordano quelli dei mimi.

Il termine descrive con la parola “liquido” il movimento fluido che si produce con tutto il corpo come se non ci fossero ossa. Onde motorie si propagano in ogni direzione, senza ostacoli in maniera libera e totale, offrendo al danzatore possibilità espressive imprevedibili e sempre nuove: a volte il danzatore si affloscia improvvisamente per poi recuperare la verticalità in un lampo, senza stop e senza perdere la continuità.

Il danzatore che usa questa tecnica pare muoversi senza nessuno sforzo, e anzi, sembra assolutamente a proprio agio, come se tutto fosse frutto di una totale spontaneità. Al contrario, per ottenere questa fluidità “liquida” occorre moltissimo training ed una capacità di controllo su ogni parte del corpo molto profonda. L’effetto è davvero sorprendente, e ben si sposa con le dinamiche del popping e del locking, offrendo un contrasto molto armonico.

Il combattimento danzato

Una battle (in ‘inglese “battaglia”) consiste in una sfida basata sul freestyle, nella quale i danzatori sfidano altri ballerini creando una sorta di palcoscenico. La lotta avviene assolutamente senza contatto fra gli avversari: è basata sulla esibizione delle proprie capacità artistiche e creative.
Nasce nell’ambito della streetdance, con l’intento di lottare simbolicamente, in una competizione sana e soprattutto non violenta, che sostituisse le lotte fra gang di strada che stavano diventando sempre più sanguinose.

I danzatori ed il pubblico che prendono parte alla battle si dispongono creando un cerchio che inizialmente veniva proprio disegnato sull’asfalto, provando a mostrare a turno le loro abilità migliori, con combinazioni di stili e movimenti sempre più difficili, e prendendo a spunto creativo la performance dell’avversario, magari prendendolo in giro o cercando di ripeterne i gesti eseguendoli meglio, o aggiungendovi ulteriori difficoltà per cercare di guadagnarsene il rispetto e la stima.

Questa consuetudine, nata da una esigenza di sana sopravvivenza nei quartieri periferici delle metropoli americane, si è diffusa anche assolutamente al di fuori del suo contesto d’origine, divenendo una caratteristica artistica della danza hip hop, che possiamo facilmente vedere anche trasposta a livello teatrale.
Anche nelle lezioni di hip hop si tende ad inserire l’elemento battle per stimolare la creatività personale del danzatore e per spingerlo a trovare il suo stile e i suoi gusti caratteristici.

La danza che nasce nelle strade delle metropoli americane

La Streetdance è l’essenza della danza hip hop. Fin dall’inizio, la cultura hip hop si è sviluppata nelle strade delle grandi città degli Stati Uniti, soprattutto New York e Los Angeles, ed in particolare nei multietnici quartieri periferici, in cui le condizioni di vita non erano e non sono facili.

La condivisione degli spazi con persone provenienti da altri paesi e da culture molto eterogenee ha favorito la nascita di gang e gruppi, con scontri continui, a volte anche parecchio sanguinosi, volti al tentativo di stabilire la supremazia di un gruppo su un territorio. A ciò si aggiungono le condizioni sociali difficili, e l’alto tasso di disoccupazione che portano con sé facilmente microcriminalità, mercato di sostanze stupefacenti, prostituzione… quando le persone vivono in uno spazio ristretto e sentono di non avere nulla da perdere, le condizioni di vita si fanno molto dure.

La streetdance ha portato a questa situazione un sano elemento di svolta, sostituendo l’abitudine di danzare a quella di combattere. I giovani delle varie gang cominciarono a disegnare un cerchio sulla strada, all’interno del quale si svolgevano i combattimenti, vere e proprie sfide a suon di musica e a passo di danza: il vincitore è chi si esprime meglio, con maggiore creatività, con fantasia e capacità tecniche, imponendo la propria personalità artistica come punto di forza.

Questo fenomeno ha dato il via ad una grande evoluzione di stili di danza, nati proprio sulle strade, da quella stessa fusione multiculturale che aveva generato le rivalità, all’insegna di una libertà espressiva praticamente illimitata.

Gli stili che si sono evoluti grazie alla streetdance sono innumerevoli, e prendono spunto da qualsiasi evento della vita quotidiana o da forme di danza e movimento, moltiplicando esponenzialmente le possibilità creative della danza. Forse più che stili li si potrebbe definire tecniche, poiché quasi nessun danzatore utilizza un linguaggio stilistico univoco, e tutti fanno riferimento a svariate tecniche per arricchire il proprio vocabolario artistico.

Da molti anni ormai della streetdance esiste più che altro la versione artistica teatrale, e il suo apprendimento si svolge più che altro all’interno delle scuole di danza, nelle quali il confronto fra i danzatori non è più una battaglia per la supremazia del territorio, ma quella per vincere un contest o per passare il casting per uno spettacolo.

Il combattimento con i gesti delle mani

Originariamente l’Uprock si chiamava Rocking o anche semplicemente Rock. Si chiama così poiché prende ispirazione dal gioco “Rock-paper-scissors” (che noi chiamiamo Morra Cinese, la sfida in cui due avversari si fronteggiano con gesti delle mani che simulano un sasso, la carta e la forbice).

Nasce alla fine degli anni ’60 a New York, forse nel Bronx o forse a Brooklyn, a partire dalla cultura delle gang, come forma di battle. Già negli anni ’70 non veniva più considerata una danza tipica delle gang, acquisendo un maggior valore artistico, e si diffuse tanto da diventare di uso comune in tutte le feste di caseggiato, delle scuole, alle riunioni dei ragazzi, ed era un punto fermo dei martedì e giovedì sera al St. Mary’s Recreation Center nel South Bronx, fino a quando, nel 1974, Rubberband, un famosissimo danzatoreallora soltanto ventunenne, fu pugnalato a morte durante un litigio da un ragazzo di soli 14 anni. Da allora le battles sl St. Mary’s vennero bandite.

Il primo danzatore a diventarne esperto era Apache, incredibilmente abile nell’uso dei burns.

Si tratta di uno stile di streetdance molto espressivo e rivolto alla competizione, che si danza a ritmo di musica soul, rock e funky. Quando nacque, veniva danzata su brani specifici, come “It’s Just Begun” del jazzista Jimmy Castor, e coinvolgeva una coppia di uomini che si fronteggiavano e cercavano di sminuire l’avversario con movimenti delle mani chiamati Burns (bruciature), che richiamassero gesti quotidiani o simbolici di disprezzo o di presa in giro (ad esempio simulare di dare uno schiaffo o un pugno), intervallati a passi strisciati, giri e improvvisi Drops (Sgocciolamenti), che consistono in movimenti di accovacciamento con rimbalzo in piedi, a piedi paralleli o incrociati (in questo caso si chiamano Jerks, “strattoni”).

Il verme danzante

Questo passo, chiamato Millepiedi, Verme, Bruco o anche Delfino, è una delle icone dell’hip hop, un movimento noto anche a chi non conosce nulla di questa cultura.
Si tratta di un modo di muoversi tipicamente associato alla breakdance, diventato molto famoso negli anni ’80, spesso utilizzato per terminare la propria performance ed uscire dallo spazio scenico.
E’ l’imitazione di un millepiedi saltellante: il danzatore è sdraiato a terra in posizione prona, appoggiato sulle mani e spinge con le gambe, inarcando dapprima la schiena il più possibile, e scalciando all’indietro. Il corpo sussulta in un sobbalzo, per ricadere ondulando sulla punta dei piedi e sulle mani. L’onda può percorrere le membra dall’alto al basso o viceversa, e il ballerino si può spostare in avanti o indietro.